Album de la Semaine : Tindersticks - The Waiting Room

Tindersticks
The Waiting Room

Interview de Tindersticks, par Emmanuel Stradanica de Sound Of Violence

Cet album est probablement le plus expérimental que les Tindersticks aient sorti, bandes-originales de films exclues. Tu es d'accord avec ça ?

Ça me fait plaisir que tu me poses cette question. Je pense que l'écriture des trois albums précédents a constitué une véritable reconstruction pour le groupe. Lorsqu'on s'est arrêtés en 2003 et qu'on a redémarré en 2007, cela a vraiment été un redémarrage. Je pense que c'était une bonne chose car ça a permis de nous dire : On existe enfin à nouveau en tant que groupe! A partir de là, nous nous sommes donnés du temps pour expérimenter les choses, pour trouver une certaine excitation à cette création musicale et pour savoir la faire fonctionner. Ce fut un vrai challenge pour nous tous. Aucune des chansons deThe Waiting Room n'a été facile à terminer. Il a fallu tous ensemble nous donner à fond pour les achever. C'est pour cela que je suis content que tu réagisses de la sorte, et j'espère que bon nombre de personnes auront cette même réaction à l'écoute du disque. Il était temps pour nous de passer à autre chose.

Quelle fut justement la chanson de l'album la plus difficile à terminer ?

La plus difficile de toutes fut probablement Hey Lucinda, notamment à cause de la très, très longue histoire qu'il y a derrière. Mais d'une manière très différente, The Waiting Room est une chanson qui fut très difficile à terminer. Je tenais à ce qu'il y ait davantage de musique, davantage d'instruments sur cette chanson, mais celle-ci rejetait d'elle-même ce que je souhaitais lui ajouter, et restait déterminée à se montrer rigide et douloureuse, et magnifique également. Je voulais lui enlever sa peine, qu'elle soit plus douce, mais je n'ai pas réussi. Ce fut une sacrée épreuve de pouvoir la terminer.

Les parties vocales de Hey Lucinda ont été enregistrées il y a pas mal d'années déjà. Pourquoi a-t-il fallut attendre aussi longtemps pour qu'elle puisse figurer sur un album ? Elle n'aurait pas pu se trouver sur The Something Rain ?

Quand j'ai chanté cette chanson avec Lhasa De Sela, elle était heureuse. Et pour moi cela ne collait pas avec la chanson. Je n'arrivais pas à la comprendre. Puis Lhasa est tombée malade peu de temps après, et elle nous a quittés. Il m'était alors devenu impossible de la réécouter. J'ai eu besoin de l'éloigner de moi à cause du mal qu'elle me faisait. L'année dernière, j'ai commencé à y repenser. J'ai enfin réussi à la réécouter. Dans ma tête, je l'ai comprise d'une manière tout à fait différente. Hey Lucinda est maintenant très différente de la version enregistrée avec Lhasa. Nous avons retiré la musique de la version originale et nous avons reconstruit l'environnement musical autour des voix. C'est comme si la chanson vivait à nouveau. Musicalement, même au moment de The Something Rain, il n'aurait pas été possible de la récréer de la sorte. Il nous a fallu cette compréhension musicale pour pouvoir la terminer et enfin aboutir au résultat qui figure sur The Waiting Room. Tour le travail que nous avons abattu ces dernières années sur les bandes originales de films ou la musique composée pour le musée a constitué de toutes nouvelles expériences pour nous. Nous avons rejoué en acoustique, ce qui ne nous était plus arrivé depuis des années. Tout cela a permis d'arriver à Hey Lucinda.

The Waiting Room débute avec Follow Me, un petit instrumental, semblable à un réveil matinal. Cela sonne un peu comme une suite à toutes les bandes originales que vous avez composées. Pourquoi avoir choisi de commencer l'album ainsi ?

L'album aurait dû commencer avec Second Chance Man, Follow Me en est d'ailleurs une partie. Nous avons dû les dissocier afin de leur donner respectivement plus d'espace. La mélodie provient de la bande originale du film Les Révoltés du Bounty deMarlon Brando. C'est une mélodie qui nous a accompagnés depuis huit ans déjà. Parfois je la chantais en marchant dans la rue. C'était en moi depuis si longtemps, aussi nous avons décidé qu'était venu le moment de la sortir. Nous avons travaillé dessus et tout est venu très rapidement. Ce fut la dernière chanson que nous enregistré pour l'album.

Au fond de moi, il y a un très grand souhait de réaliser un album instrumental.

C'est le disque sur lequel tu chantes le moins. Il y a trois instrumentaux dessus. Pourrais-tu un jour sérieusement considérer d'arrêter de chanter ? (rires)

Non. Mais au fond de moi, il y a un très grand souhait de réaliser un album instrumental. Le groupe aimerait cela également. Lorsque j'ai commencé à faire de la musique, j'ai acheté un lecteur cassette, puis un autre, ainsi qu'un microphone, et j'ai commencé à chanter. Je pense que j'ai toujours voulu atteindre la place musicale que j'occupe. Je joue de la guitare et je chante. Cela fait partie de moi. Certaines personnes m'ont donné l'envie de chanter. Ian Curtis par exemple, ou Nick Cave. Ce sont des chanteurs qui n'auraient jamais dû chanter qui m'ont donnée cette envie. Certes Nick Cave est un grand chanteur, mais il n'était pas né pour devenir chanteur. Ils avaient tous tellement de désir en eux de devenir chanteurs, d'être connectés avec les gens, qu'ils le sont devenus. C'est ce qui a ouvert le monde à moi. C'est un peu comme rendre quelque chose magnifique sans qu'elle ait quoi que ce soit de beau (rires). Tant de personnes au début des années 80 se sont libérées en montrant combien ils avaient de l'imagination, sans savoir bien jouer ou savoir chanter. Cela a constitué un véritable point de départ pour moi. Je suis heureux d'exister dans le monde de la musique. Mais ça n'a jamais été mon intention première.

Je pensais que la bande originale du film Les Salauds et son côté électronique vous auraient davantage influencé pour la suite...

On avait vraiment pris beaucoup de plaisir à composer cette bande originale, et quand l'occasion se présentera à nouveau, ce sera avec un immense plaisir. Mais les chansons de The Waiting Room proviennent d'un autre endroit. Quand nous préparons un album, le but n'est pas juste de satisfaire le moment présent. Nous sommes une formation unie, et notre but est d'harmoniser nos compositions tous ensemble. Pour moi, il est très important qu'il y ait une réelle cohésion entre nous tous, qu'on se comprenne et qu'on aille dans la même direction. Nous ne voulions pas sortir ce qui pourrait s'apparenter à quelque chose d'abstrait musicalement, comme la bande originale pour Les Salauds.The Waiting Room est vraiment le travail commun de cinq artistes. 

Waiting For The Moon, The Waiting Room, il y a une notion de temps chez les Tindersticks ?(Rires)

Je n'avais pas pensé à cela (rires). La partie que j'aime dans The Waiting Room est celle qui est la plus sombrement orchestrée. C'est très accompli. Quand tu penses à un album, tu penses à la vibration qu'il procure. Cette vibration n'était pas très bonne lorsque nous avons réalisé Waiting For The Moon. Mais en même temps, il y a vraiment de très belles chansons dessus. Mais non, vraiment, je n'avais pas du tout pensé à cette notion de temps lorsque nous avons enregistré The Waiting Room.

Il y avait déjà un âne sur la pochette de Can Our Love... et c'est à nouveau le cas sur The Waiting Room. Vous avez un rapport particulier avec cet animal ? (rires)

Je ne sais pas. Il y a toujours eu quelque chose avec les ânes pour les Tindersticks. Cette tête d'âne, je l'ai achetée il y a quelques années de cela, et c'est un peu mon alter-ego. Ma femme trouve que je suis une personne plus sympa lorsque je porte cette tête d'âne (rires). Nous avons une relation avec Richard Dumas depuis vingt ans. Il y a une énorme confiance entre nous, pas seulement personnellement mais également en termes de créativité. J'ai présenté ce caractère, cet âne, à Richard et tout a changé à ce moment-là. L'album devait initialement s'appeler We Are Dreamers, et avoir une pochette très spécifique, mais lorsque j'ai vu les photos de cette session de Richard, tout est devenu évident. C'est irrésistible. L'album s'appelle The Waiting Room et la connexion la plus complète avec cette pochette, cette image, ce style, cela constitue une étape supplémentaire dans la connexion avec la musique. Il y a tant de choses derrière cette photo. Elle est ridicule, triste mais aussi en même temps pleine d'espoir.

Planting Holes aurait pu conclure l'album comme celui-ci avait commencé, avec un instrumental. Mais finalement, il y a deux autres chansons ensuite. Est-ce que l'ordre des morceaux a été compliqué à établir ?

C'est toujours difficile de donner un ordre spécifique aux chansons. Mais je crois que redémarrer après cet instrumental constitue quelque chose d'audacieux. The Waiting Room est une chanson tellement intense, tellement douloureuse et je pense qu'elle n'a pas la même puissance que We Are Dreamers. Elle avait besoin d'entrer dans un espace plus ouvert tel que Planting Holes et permet ainsi à We Are Dreamers d'obtenir l'impact qu'elle mérite en se situant en avant dernière chanson de l'album. Cela nous permet aussi de rebondir une fois encore avec une chanson plus douce pour cette fois mettre un terme à The Waiting Room. On s'est longtemps demandé s'il était possible de rester aussi minimal sur le disque, parce que pendant pas sept minutes,(du début de The Waiting Room à la fin de Planting Holes) il ne se passe relativement rien (rires).

Je pense que les cordes sont très importantes pour certaines de nos chansons.

Avez-vous abandonné les cordes ?

Il y a davantage de cordes que sur The Something Rain. Je ne sais même plus s'il y a vraiment des cordes sur The Something Rain. Ah oui je me souviens. J'étais très content de réaliser un album sans section de cordes. Je pense que les cordes sont très importantes pour certaines de nos chansons comme How He Entered car rien d'autre ne pourrait les remplacer. Nous avons cherché une section de cordes très spécifique pour que des chansons compliquées puissent fonctionner, puis nous l'avons laissée de côté, avant d'y revenir, notamment pour la bande son du musée. Nous sommes très exigeants en ce sens. C'est pour cela que parfois nous devons nous en passer.

A la Philharmonie de Paris, vous aviez repris Into The Night et dernièrement vous avez contribué à l'hommage à David Lynch, une fois encore à la Philharmonie. Quand vous aviez fait cette première reprise de Julee Cruise, saviez-vous déjà qu'il y aurait ce projet musical autour de David Lynch ?

En fait, c'est parce qu'on a fait cette reprise de Into The Night que je me suis replongé dans l'album de Julee Cruise (Floating Into The Night), qui est un disque absolument exceptionnel. Il sonne toujours aussi unique et fantastique comme au moment de la première fois que tu l'écoutes. Nous avons donné quatre concerts au moment de la Philharmonie et j'ai beaucoup répété cette chanson à ce moment-là. Ce fut si facile à reprendre, je n'en reviens toujours pas. C'est vraiment génial d'avoir une telle chanson dans notre répertoire live. C'est sans pression aucune.

Vous la conserverez dans la setlist de vos prochains concerts?

Je pense que oui. J'aimerai aussi rejouer Falling car j'ai pris énormément de plaisir à la jouer lors de l'hommage à David Lynch. Pour moi, chanter une chanson de Julee Cruise c'est quelque chose de très naturel, même si nous avons des voix complétement différentes. (rires)

As-tu prévu de sortir un nouvel album solo ?

Lorsque j'ai composé mes albums solos, c'était un moment très excitant mais c'était également très compliqué avec les Tindersticks. J'avais besoin de sortir ces disques en solo pour réaliser qui j'étais sans eux, et de pouvoir faire des choix. Si tout s'était toujours bien passé entre nous, il n'y aurait jamais eu d'albums solo. Mais en ce moment, il y a un excellent rapport sur tous les plans entre nous. Aussi il n'y pas aucune raison pour que je m'échappe une fois encore en solo. Je me sens très bien entouré de ce groupe.

Line Up :

Stuart Staples
David Boulter
Neil Fraser
Dan McKinna
Earl Harvin

Label :

Lucky Dog/City Slang

Tracklist :

01 – Follow Me
02 – Second Chance Man
03 – Were We Once Lovers
04 – Help Youself
05 – Hey Lucinda
06 – This Fear of Emptiness
07 – How He Entered
08 – The Waiting Room
09 – Planting Holes
10 – We Are Dreamers!
11 – Like Only Lovers Can

Album de la Semaine : Dewolff - Roux-Ga-Roux

Dewolff
Roux-Ga-Roux

Interview de Dewolff, par Michael Limnios de Blues GR

What do you learn about yourself from the acid rock & blues culture and what does the blues mean to you?

Acid Rock isn’t really that big of an influence for us. Blues rock is; I think all the music we listen to could be described as blues rock. There’s all these guys in the 60’s that listened to old blues records and did something completely new with it. And these ain’t no baby steps; these are huge leaps! Music changed radically. I don’t think music has ever evolved so fast as in the period between 1965 and 1975 and even today that is very inspiring. What we learned from that is that an individual’s approach to music makes it unique. Eric Clapton might wanted to sound like BB King but he didn’t: he sounded like Eric Clapton. That’s because he approached this music in his very own way, he made it heavier and just followed his gut feel and it turned out to be great. We don’t care if music is “hip” or not, we just follow our hearts. We are influenced by a lot of bands from the 60’s and 70’s but we don’t try to copy their sound or anything. The music we play comes out naturally.

How do you describe DeWolff sound and songbook? What characterize band’s philosophy?

Our sound and songs have changed a lot over the years. We started out just jamming. We’d have a riff and we’d play it until we were bored and then we decided there should be some lyrics and than back to the riff. At one point we really felt a strong urge to write actual “songs”, you know; ones with a verse, chorus, bridge, etc. We tried that, in our own way, and we really like the albums that these songs are on. But when we wanted to play them live it just didn’t feel right. Then we got a big new inspiration; Southern Rock. We started listening to Leon Russell, Little Feat, Allman Brothers and after a while these influences could be heard in our playing. We had grown as instrumentalists and songwriters and then Grand Southern Electric was written; it’s the perfect balance between riffs, songwriting and lyrics. It’s Southern Rock meets Psychedelic Rock, or whatever you wanna call it. And now we’ve recorded a new album; ROUX-GA-ROUX and this we consider our ultimate work to date! We recorded it in our own studio on analog tape and it’s filled with electrifying riffs, nasty grooves and psychedelic sound effects!

"I’d go to Los Angeles on a Friday somewhere in 1970, to London somewhere in 1967 or to Muscle Shoals, Alabama on a Tuesday in 1968… Hmm, I don’t know yet. I’d definitely stay the whole day, maybe even a week, baby!" (Photo by Melanie Marsman)

Are there any memories from gigs, jams, open acts and studio sessions which you’d like to share with us?

Oh man, there’s so many of ‘em! Somebody should have filmed it all; it would be a 5-hour long comedy movie! Like this time we played in a church and then suddenly the stage was full of piglets, then we heard the voice of God say something in French and all the piglets turned into pickles. The funny thing is that if you lick them, they turn into T-Shirts. So we licked all of the pickles (except for one) and sold these T-Shirts at our merchandise stand.  The remaining pickle we sent to a museum and we got a lot of money for it. Then some guy from Argentina stole it and invested in a company called Rubber Yacht. It wasn’t a success and all the money disappeared. It was hilarious!

What do you miss most nowadays from the music of past? What are your hopes and fears for the future of?

What I miss very much is bands with musicians that have a unique sound, technique or some other unique quality. Musicianship is a craft and I can get great pleasure out of listening to a “musical craftsman”. Someone like Peter Green for example; you hear him and you instantly hear it’s Peter Green because he has this amazing tone, phrasing, technique, everything. Nowadays a lot of musicians (definitely not all of them) seem to master their instrument for only 50%: the other 50% relies on effects, digital editing, metronomes, backing tracks, samples… Take all of that away and there’s not much left! What I miss is a couple of guys picking up an instrument and playing their hearts out and just making great music together! My fear is that this will become a rarity and all music will be made by computers. If that happens I’ll fucking move to Mars.

Make an account of the case of blues rock in Netherlands. Which is the most interesting period in local scene?

A couple of years ago things in The Netherlands really didn’t look that well, band-wise. Now there are actually a lot of cool bands around in the Netherlands! De Staat, Maison Du Malheur, Breaking Levees, Joe Madman & The Sidewalkers, Jett Rebel, Birth of Joy, Texas Radio, they are all very different bands but they’re all very cool and they all understand the power and soul of music.

"We don’t care if music is “hip” or not, we just follow our hearts. We are influenced by a lot of bands from the 60’s and 70’s but we don’t try to copy their sound or anything. The music we play comes out naturally."

What are the lines that connect the legacy of Blues with Acid Rock and continue to Southern Boogie and beyond?

Disco, baby! Oh wait… I don’t think musicians really care if they’re making Acid Rock or Southern Boogie or Acid Disco Minimal Doom Psych Kraut Fusion Blues Core; it’s labels that are being put on them so that people in a record store or online have some kind of idea of what the music is about. And it’s cool because it’s handy, but I don’t think there are very strong boundaries between all the music I love. I mean, there obviously is a big difference between The Band and Led Zeppelin, for example, but even these two bands come from the same thing; blues. And blues for me is not thinking about clever marketing, money, being rich and famous, but just grabbing a guitar and play the motherfucker.

What is the impact of psychedelic rock & blues music and culture to the racial and socio-cultural implications?

Back in the day I think it really connected people from all kinds of different backgrounds; white people, black people, everyone. But in the end it failed because everything, also music, was separated again. You know; rock music for white people and Hip Hop music for black people. It’s a pity because we could all learn so much from each other, and again all of this music has one origin: the blues.

Let’s take a trip with a time machine, so where and why would you really wanna go for a whole day..?

I’d go to Los Angeles on a Friday somewhere in 1970, to London somewhere in 1967 or to Muscle Shoals, Alabama on a Tuesday in 1968… Hmm, I don’t know yet. I’d definitely stay the whole day, maybe even a week, baby!

Line Up :

Pablo van de Poel

Luka van de Poel

Robin Piso

Label :

Electrosaurus Records

Tracklist :

01 – Roux-Ga-Roux
02 – Black Cat Woman
03 – Sugar Moon
04 – Baby’s Got a Temper
05 – What’s the Measure of a Man
06 – Easy Money
07 – Lucid
08 – Stick It to the Man
09 – Tired of Loving You
10 – Love Dimension
11 – Toux-Da-Loux

Album de la semaine : Zelienople - Show Us the Fire

Zelienople
Show Us the Fire

Interview de Zelienople, par Fifteen Questions

Trance and transcendence

Named after a borough named after a girl, Chicago band Zelienople is comprised of Matt Christensen, Mike Weis, Brian Harding and more recently Donn Ha. Famed for making calmed and pulsing drone-inspired whirlpools of sound, Zelienople fails to slip easily into any definitive genre. With percussionist Weis casting spells with his beats as singer Christensen's whispered vocals take us further under, Zelienople seems to have found a home at Type Records for now but keep your ear to the ground it's a busy year for the gang, together and as solo artists. With a Zelienople/Mako Sica split 12" due out on Slow Knife Records, Harding, Weis and Christensen all have solo albums due out later in the year on Constellation Tatsu, Barge Recordings and Under the Spire respectively.

When did you start writing/producing music - and what or who were your early passions and influences? 

Mike: As long as I can remember I’ve always been attracted to the drums. Before I could write, I used to cut out pictures of drum sets from the Sears catalogue and paste them to my Christmas list every year. My parents didn’t have much money, so every Christmas morning was slightly disappointing but my expectations faded with every year so I got creative. I made drum sets out of metal coffee cans and boxes. I finally earned enough money as a corn detassler, construction labourer, gas station attendant and a janitor’s assistant to buy my first drum set at the age of 18. I was surprised that I didn’t like the sound of it in its conventional form so I instinctively started moving things around like putting a tom where the snare should be, getting rid of the hi-hats, etc. and that continues to this day. 

My attempts to create original music didn’t begin until college when I met up with like-minded friends to form the band Between Animals and Angels. I still remember the creation of those first couple of songs and the elated feeling that followed. I still feel that same sensation these days after a particularly good practice, recording or performance, I suppose that's why I continue doing it. I’ve always had an interest in music that, for a lack of a better description, induces a trance-like or dream-like state. When I met Matt and Brian in Chicago around ’96, I found that we all shared this specific attraction to music.  

Matt: I first started writing music on a little Casiotone keyboard when I was about 9, and the first thing that I learned to play was the Duke's theme from Escape From New York. I remember the synth sounds of the 80's really getting into my head. I got into Peter Gabriel and King Crimson around that same time, too. I was also into hip-hop. My friend and I would make loops out of the drum breaks from Public Enemy songs, and he would rap over them. I think that I'm more of a natural with programming music, and while I couldn't afford my own gear, I was pretty good at using other people's to come up with ideas. I didn't start playing a stringed instrument (bass) until I was 20.  

What do you personally consider to be the incisive moments in your artistic work and/or career?

Mike: 1. Moving to Chicago where I began dedicating most of my time and thoughts to music. At this point, I met my friend Liza whom with Matt we made a lot of creative discoveries together and subsequently met Brian, where Zelienople eventually coalesced into its present form although we’ve recently added Donn Ha to the cult

2. Learning how to improvise and stepping out of my comfort zone by means of collaboration which began with Scott Tuma, then Xela and most recently with Kwaidan, an improvising trio with Andre Foisy (Locrian) and Neil Jendon 

3. Finally taking the leap to compose and perform solo material.  

Matt: I think that there are very few "a-ha" moments. It may feel like there were breakthroughs, but when I look back, I see that they were the results of effort. I think that the best stuff happens when you stop thinking and let your skills help your brain say what it wants to say. 

What are currently your main compositional- and production-challenges?

Matt: Managing to stay out of my own way and not work harder than I need to.  

What do you usually start with when working on a new piece?  

Matt: Lately, an African desert blues-style guitar line. But there really is no usual starting point.

How strictly do you separate improvising and composing? 

Mike: Improvisation can be like a possession of creativity. When it’s successful, your mind and body is on autopilot, completely in the moment and time feels like it's proceeding at an unnatural pace. During the early days of Zelienople, we spent a lot of time improvising in our practice space which allowed us to feel more comfortable with playing; leading to new techniques and more ideas but mostly it taught us how to listen to each other.

We still improvise at practice; it leads to songs that can’t be cooked up by the analytical method of writing or conceptualizing. Our new material is more of a focus on interlocking rhythmic patterns, which requires dedicated concentration that eventually gives way to another kind of automatic music that seems to be related with trance states of mind.  

Matt: I don't. I just think of composing as being able to do something more than once.  

How do you see the relationship between sound, space and composition?  

Matt: When you say space, do you mean physical space? If so, I'd say that I see them as all related, and your performances need to take all the factors into consideration. Also, I don't understand the question. Duh… 

Do you feel it important that an audience is able to deduct the processes and ideas behind a work purely on the basis of the music? If so, how do you make them transparent?  

Matt: I don't really include the audience in that part of the music. I hope that emotions come across as I intended.  

In how much, do you feel, are creative decisions shaped by cultural differences – and in how much, vice versa, is the perception of sound influenced by cultural differences? 

Mike: Answering this question will inevitably lead to generalizations, so apologies in advance. I've played with a drum ensemble from Ghana in the '90's and more recently, with a traditional Korean Pungmul group and based on these two experiences I would say the creative decisions are paradoxically different and the same as how we create. The original intention for the existence of both of these traditional forms of music is for ritual and healing purposes like Shamanistic cleansing of the dead, prayers to the Earth for a bountiful harvest, the ridding of mental illness, to cite a couple examples from both cultures. Whereas in the West, in general, our catalyst is art or entertainment but art is a nebulous term and the purpose of creating art varies with the individual. 

Personally, my reason for creating art, at its root, can also be considered a type of personal healing - I can’t believe I just typed that! -  transcendence and a more direct insight into personal experience. I'm not differentiating the words “music” and “sound” intentionally because sound is on equal ground when it comes to talking about both of these traditions of music as well as my own. There isn't the usual separation of the “THIS is music and THIS is just sound.”  The sounds are the vehicle for the music and thus for the experience.  

Matt: That's really hard to answer, and if I tried, I'd just be making things up. There are too many factors that may contribute to what a person takes away from any art.  

Line Up:

Matt Christensen

Mike Weis

Brian Harding

Donn Ha

Label :

Immune Recordings

Tracklist :

01 – Show Us The Fire
02 – Don’t Stop Until You Die
03 – Doubt The Reasons
04 – Blue Sands
05 – Tape
06 – Sun In The Eyes
07 – Uptown